Lollapalooza faz propaganda de grupos políticos ligados à direita estadunidense
Acontece de 12 a 13 de março de 2016. Já começou a propaganda do festival de música estrangeira no Brasil dos alienados
Lollapalooza é um festival de música anual composto por gêneros como rock alternativo, heavy metal, punk rock e performances de comédia e danças, além de estandes de artesanato. Também fornece uma plataforma para grupos políticos e sem fins lucrativos. Lollapalooza tem apresentado uma grande variedade de bandas e ajudou a expor e popularizar artistas como, Alice in Chains, Tool, Red Hot Chili Peppers, Pearl Jam, The Cure, Primus, Rage Against the Machine, Soundgarden, Arcade Fire, Nine Inch Nails, Nick Cave, L7, Janes Addiction, X Japan, The Killers, Siouxsie and the Banshees, The Smashing Pumpkins, Muse, Hole, 30 Seconds to Mars, The Strokes, Arctic Monkeys, Foo Fighters, Green Day, Lady Gaga e Fun.
Concebido e criado em 1991 pelo cantor do Jane’s Addiction, Perry Farrell, como uma turnê de despedida para sua banda, o Lollapalooza aconteceu até o ano de 1997 e foi revivido em 2003. Desde a sua criação até 1997 e em seu renascimento em 2003, o festival percorreu a América do Norte. Em 2004, os organizadores do festival decidiram ampliar a permanência do festival para dois dias por cidade, mas a fraca venda de ingressos forçou o cancelamento da turnê de 2004. Em 2005, Farrell e a Agência William Morris fizeram uma parceria com a empresa Capital Sports Entertainment (atual C3 Presents), sediada em Austin, no Texas, e reformularam o festival para o seu formato atual, como um evento fixo em Grant Park, Chicago, Illinois.
Em 2010, foi anunciada a estreia do Lollapalooza no exterior, com um ramo do festival sediado em Santiago, no Chile, em 2 e 3 abril de 2011, onde estabeleceu uma parceria com a empresa chilena Lotus. Em 2011, a empresa Geo Eventos confirmou a primeira versão brasileira do evento, que foi sediada no Jockey Club, em São Paulo nos dias 7 e 8 de abril de 2012. Foi anunciado que o primeiro Festival Lollapalooza será realizado na Europa em setembro de 2015, na capital alemã,Berlim, no histórico aeroporto Tempelhof.
Lollapalooza de 2009 em Chicago
A palavra, algumas vezes pronunciada como lollapalootza ou lalapaloosa, vem dos séculos XIX e XX, de uma expressão americana que significa “uma extraordinária ou incomum coisa, pessoa, ou evento; um exemplo excepcional ou circunstância.” Com o tempo, o termo passou também a um grande pirulito (em inglês lollipop). Farrell, em busca de um nome para seu festival, gostou da sonoridade do termo ao ouvi-lo em um filme dos Três Patetas. Em homenagem ao duplo significado do termo, um personagem no logo original do festival segura um pirulito.
Em 1997, no entanto, o conceito Lollapalooza tinha acabado, e em 1998, os esforços não conseguiram encontrar uma banda principal adequada, assim resultando no cancelamento do festival. O cancelamento serviu como um significante declínio da popularidade do rock alternativo. Em meio aos problemas do festival, Spin disse, “Lollapalooza é como um coma para o rock alternativo agora.”
Morto o festival, apelaram para a ressurreição em países colonizados.
Em 2010, foi anunciado que Lollapalooza iria estrear na América do Sul, com um ramo do festival produzido na capital do Chile, Santiago de 2 a 3 de Abril de 2011. A lineup incluia Kanye West, Jane’s Addiction, 30 Seconds to Mars, The National, Manny and Gil the Latin, The Drums, Los Bunkers,The Killers, Ana Tijoux, Javiera Mena, Fatboy Slim, Deftones, Los Plumabits, Cypress Hill, 311, The Flaming Lips e outros.
Veja todas as atrações do Lollapalooza 2016 na ordem divulgada pelo festival:
Eminem, Florence + The Machine, Jack Ü, Mumford & Sons, Snoop Dogg, Noel Gallagher, Tame Impala, Alabama Shakes, Zedd, Kaskade, Die Antwoord, Of Monsters and Men, Marina and the Diamonds, Cold War Kids, Odesza, Zeds Dead, Flosstradamus, RL Grime, Emicida, Bad Religion, Walk the Moon, Twenty One Pilots, Halsey, Matanza, Jungle, Marrero, Eagles of Death Metal, A-trak, Seed, Albert Hammond Jr., The Joy Formidable, Gramatik, Maglore, Vintage Trouble, Supercombo, Matthew Koma, Jack Novak, Dônica, Versalle, Groove Delight, Zerb, Karol Conka, The Baggios, Funky Fat, Dingo Bells.
As onerosas repartições públicas das secretarias e Ministério da Cultura não promovem a música brasileira. Nem os artistas novos. Prefere mega eventos de shows superfaturados dos cantores da TV Globo.
O Lolla mantém outra que é sua principal característica: apostar em grupos não tão conhecidos no Brasil. Entre eles, o mais destacado no line-up é o Mumford & Sons, estreante por aqui. Representantes do novo rock dançante, Walk the Moon e Twenty One Pilots têm em comum o fato de serem do estado americano de Ohio.
É o cantar na língua inglesa. Precisamente no inglês dos Estados Unidos. Que mortos estão os ritmos brasileiros.
No festival são proibidas as músicas de Tom Jobim, João Gilberto, Chico Buarque, Caetano Veloso, Noel Rosa, Cartola, Gilberto Gil, Dorival Caymmi, Pixinguinha, Luiz Gonzaga, Paulinho da Viola. Vinicius de Moraes, Milton Nascimento, Baden Powell, Ary Barroso, Nelson Cavaquinho,
Zé Ramalho, Adoniran Barbosa, Sivuca, Capiba, Nelson Ferreira, Getúlio Cavalcanti, entre outros mil da Pátria Amada Brasil.
Trilha sonora de quem (e para quem) põe a mão na massa
Quem canta, seus males espanta, e se o trabalho está pesado, cantar se faz ainda mais necessário – faz a lida fluir. Os cantos de trabalho são uma manifestação cultural tão antiga quanto o mesmo ato de trabalhar.
Na América Latina, eles sempre acompanharam o trabalhador, da colheita do arroz e do milho à construção de casas e à abertura de estradas, emprestando ritmo e encanto sobretudo às atividades coletivas, como se fossem feitiços hipnóticos. Um efeito próximo da magia.
Do norte do México ao sul da Argentina, os cantos de trabalho nascem no ambiente rural e aí permanecem por muito tempo. Mas as transformações do progresso levam o trabalho dos campos às fábricas e as pessoas da terra ao concreto, sem que a música deixe de acompanhá-los.
Palacete dos Artistas faz parte do projeto da Prefeitura de ocupação do Centro de São Paulo (Foto Olivia Florência/ G1)
Que sejam contemplados todos os artistas. Incluídos os poetas, os escritores, os escultores, os arquitetos, os jornalistas
O prefeito de São Paulo, Fernando Haddad, inaugurou o edifício Palacete dos Artistas, destinado a moradia popular de artistas com mais de 60 anos e renda familiar de um a três salários mínimos.
Os 50 artistas beneficiados terão que pagar de 10% a 12% da renda mensal deles pelo apartamento. O contrato será renovado a cada quatro anos.
O imóvel permanecerá como propriedade pública. “Uma locação social a um preço bastante módico para permitir que o prédio seja sempre destinado a artistas que dependam de locação”, explicou Haddad.
Os 50 apartamentos são destinados a entidades como Sindicato dos Artistas, Movimento de Moradia dos Artistas e Técnicos, Cooperativa Paulista de Teatro, Associação Cultural de Condomínio dos Artistas e Técnicos, Ordem dos Músicos, Balé Stagium, GARMIC (Grupo de Articulação para Moradia do Idoso da Capital) e Associação Nova Conquista.
A idéia do prefeito Haddad é louvável e exemplar, e outros prefeitos e, inclusive, governadores deviam realizar o mesmo feito, que para isso existem secretarias de Cultura e Habitação em todos os Estados e Municípios.
POETAS MORREM DE FOME NO BRASIL DA DEGRADAÇÃO CULTURAL
O estigma da pobreza dos artistas é universal. Basta lembrar que, na Europa, morreram na miséria os pintores Van Gogh e Modigliani. No Brasil, colonizado Brasil, o índice de leitura é a cara da TV Globo. O índice de leitura dos brasileiros é de quatro livros por ano. Não há como viver de literatura.
Raros os escritores que conseguem viver no Brasil, exclusivamente, da venda de livros. A 14ª edição do reality show Big Brother Brasil, exibida de 14 de janeiro a 1 de abril de 2014, ofereceu um prêmio de R$ 1,5 milhão para o participante vencedor. Um poeta jamais conseguirá tanto dinheiro em toda sua vida de poesia.
Mas a pobreza não é exclusividade de nenhuma arte. E um programa de moradia precisa beneficiar todas as artes. Todas.
In Wikipédia: A numeração das artes refere-se ao hábito de estabelecer números para designar determinadas manifestações artísticas.
1ª Arte – Música (som);
2ª Arte – Dança/Coreografia (movimento);
3ª Arte – Pintura (cor);
4ª Arte – Escultura/Arquitectura (volume);
5ª Arte – Teatro (representação);
6ª Arte – Literatura (palavra);
7ª Arte – Cinema (integra os elementos das artes anteriores)
MORADIA PARA OS CANTORES DE RÁDIO E TELEVISÃO
Vender 500 mil discos pode render algumas capas de revistas e assédio dos fãs, mas vale lembrar que glamour nem sempre paga contas – nem mesmo o aluguel. Após fazer sucesso entre as décadas de 70 e 80, o cantor Raimundo José volta a sorrir. O motivo não é a música, mas a inauguração do Palacete dos Artistas, um prédio no centro de São Paulo (SP) que foi reformado para ser a casa de 50 artistas com mais de 60 anos, – entre eles, Raimundo.
Localizado na Avenida São João, a poucos metros do cruzamento com a Avenida Ipiranga, o prédio, construído em 1910, era o antigo Hotel Cineasta e estava há anos abandonado. Após um investimento, por parte da Prefeitura, de R$ 8,2 milhões – sendo R$ 4,2 milhões gastos apenas com a desapropriação do edifício – e dois anos de reforma, os apartamentos de 40 metros quadrados estão prontos para serem habitados. Os moradores são músicos, cantores, atores e diretores de teatro com mais de 60 anos, renda de até três salários mínimos e que estejam ligados a entidades como o Sindicato dos Artistas e o Movimento de Moradia dos Artistas e Técnicos.
A Prefeitura possui outros três prédios no centro da cidade, um deles já em reforma, e outros 31 edifícios que estão em processo de desapropriação. “Este é o reencontro da cidade com seu centro histórico”, afirmou o prefeito Fernando Haddad durante a inauguração do Palacete dos Artistas.
O prefeito de São Paulo Fernando Haddad na inauguração do edifício Palacete dos Artistas, em 12 de dezembro de 2014. Fotos Fabio Arantes
O que sei de Alex Antunes? Nadinha de nada. Li na internet: “Jornalista, escritor e produtor musical, escreve ou já escreveu para a Rolling Stone, Veja, Folha Ilustrada, Bravo! e outras publicações. Foi diretor de redação das revistas Bizz e Set. Seu livro a Estratégia de Lilith foi adaptado para o cinema, no filme Augustas (em finalização). É estudioso de xamanismo e de rituais de transe”.
Produtor musical sempre usa dinheiro dos governos da União, estados, municípios e empresas estatais e privatizadas. Mais ainda quando faz cinema. Também não sei se é o caso de Alex Antunes.
A abertura de um filme parece mais uma lista de classificados de empresas multinacionais. Todo filme lava mais branco as faturas frias do mecenato brasileiro para desconto no imposto de renda. O Brasil produz assim uma cultura de esquentar faturas numa verdadeira feira e queima de dinheiro público, notadamente de impostos sonegados e vaidades e vaidades.
Passei muitas tardes de domingo, na tranquilidade da Várzea, no Recife, conversando com Francisco Julião, fundador das Ligas Camponesas, no seu velho casarão colonial de senhor de engenho. E questionei suas imunidades, isso antes de 64. E ele me respondeu: “Um líder só deve ser preso quando convém ao movimento”.
Aqui lembro a sabedoria de João Grilo. Graciliano Ramos saiu da cadeia de Vargas para trabalhar no DIP, convidado por Lourival Fontesque, o Goebbels de Getúlio Vargas.
Prestes, o líder máximo do comunismo no Brasil, também saiu da prisão para apoiar a volta de seu carcereiro à presidência.
No Brasil, da última ditadura militar, valeu o ame-o ou deixe-o. E muita gente brincou de exílio como Fernando Henrique. Saia e voltava quando queria. Milhares foram mortos. Principalmente camponeses, operários, negros e índios. E continuam sendo trucidados, principalmente os negros e os índios. Nunca se faz a contagem dos anônimos. Vide lista de desaparecidos, hojemente, no Brasil da ditadura judicial-policial nos Estados.
Os que tentaram a luta armada foram mortos. Escaparam os julgados pela justiça militar. Caso de Dilma Rousseff.
Os que deram uma de João Grilo foram salvos. Nem todos os funcionários do governo de Hitler eram nazistas. Nem todos os funcionários do governo de Stalin eram comunistas. Nem todos os soldados de Israel defendem o genocídio de Gaza.
E para completar, a contribuição do negro escravo na cultura do Brasil foi pequena, e está sendo destruída pela imposição da cultura estadunidense, via gêneros afro-culturais como rock and roll, blues, country, rhythm and blues, jazz, pop, techno, hip hop, soul, funk, inclusive a música religiosa (gospel) divulgada por igrejas Neopentecostais, apoiadas pela CIA e pela ditadura militar, como revide à Teologia da Libertação, apesar de seu criador ser um presbiteriano, o esquecido Rubem Alves, que também faleceu neste fatídico mês de julho de 2014.
“Jornalista e poeta, João Suassuna, pai de Ariano, escrevia para jornais do Rio Grande do Norte e da Paraíba. Compunha versos e tocava violão, executando música do cancioneiro popular. Apaixonado pelas coisas do Sertão, mesmo quando presidente do Estado, costumava realizar festivais de violeiros em sua residência ou no palácio do governo. Estimulou a publicação de livros, entre os quais o romance A Bagaceira, de José Américo de Almeida, que teve repercussão imediatamente ao seu lançamento”.
Nair de Tefé von Hoonholtz1 (Petrópolis, 10 de junho de 1886 — Rio de Janeiro, 10 de junho de 1981), mais conhecida como Nair de Tefé, foi uma pintora, cantora, atriz e pianista brasileira. Considerada, por Hermes Lima e por artistas e intelectuais, a primeira caricaturista mulher do mundo. Além disso, Nair de Tefé foi a primeira-dama do Brasil de 1913 a 1914 (Wikipédia)
Também de pele branca, Nair de Tefé, filha de barão e esposa do marechal presidente Hermes da Fonseca, “promovia saraus noutro palácio, o do Catete – o palácio presidencial da época -, que ficaram famosos por introduzir o violão nos salões da sociedade. Sua paixão por música popular reunia amigos para recitais de modinhas.
As interpretações de Catulo da Paixão Cearense fizeram sucesso e, em 1914, incentivaram Nair de Teffé a organizar um recital de lançamento do Corta Jaca, um maxixe composto por Chiquinha Gonzaga (sua amiga). Foram feitos críticas ao governo e retumbantes comentários sobre os ‘escândalos’ no palácio, pela promoção e divulgação de músicas cujas origens estavam nas danças lascivas e vulgares, segundo a concepção da elite social. Levar para o palácio presidencial do Brasil a música popular foi considerado, na época, uma quebra de protocolo, causando polêmica nas altas esferas da sociedade e entre políticos. Rui Barbosa chegou a pronunciar o seguinte discurso no Senado Federal a 7.11.1914:
‘Uma das folhas de ontem estampou em fac-símile o programa de recepção presidencial em que, diante do corpo diplomático, da mais fina sociedade do Rio de Janeiro, aqueles que deviam dar ao país o exemplo das maneiras mais distintas e dos costumes mais reservados elevaram o Corta-jaca à altura de uma instituição social. Mas o Corta-jaca de que eu ouvira falar há muito tempo, o que vem a ser ele, sr. Presidente? A mais baixa, a mais chula, a mais grosseira de todas as danças selvagens, a irmã gêmea do batuque, do cateretê e do samba. Mas nas recepções presidenciais o Corta-jaca é executado com todas as honras da música de Wagner, e não se quer que a consciência deste país se revolte, que as nossas faces se enrubesçam e que a mocidade se ria!”
O que a mulata tem para oferecer no Globeleza e nas escolas de samba?
Não vejo nativismo (os índios eram chamados de negros da terra), negritude, nem brasilidade na Globeleza, nas escolas de samba da TV Globo, na música brega, no funk, nas revistas Rolling Stone, Veja, em Lilith, no monarquista e escravocrata Zambi.
Transcrevo o transe:
Suassuna, velho burro
por Alex Antunes
João Grilo e Nossa Senhora
Me perguntei algumas vezes se deveria escrever este texto. Porque o principal que tenho a dizer sobre Ariano Suassuna é que ele era um velho burro e chato. E o homem, como se sabe, acabou de morrer – o que o eleva automaticamente aos píncaros da genialidade e da infalibilidade nos textos que se espalham pela imprensa.
Mau momento para lembrar o seu principal defeito: a profunda e total incompreensão da natureza da cultura pop. Eu tinha desistido de escrever. Mas eis que a televisão de domingo o mostra numa entrevista, atacando, com volúpia e deboche, Michael Jackson e Madonna, além da réplica da estátua da Liberdade na Barra da Tijuca.
Ora, é fácil concordar com ele que a réplica da estátua é um monumento à imbecilidade playba. E que Michael Jackson (esse trecho não passou no domingo) é digno de pena, pela forma como foi explorado e depois massacrado pela mesma indústria cultural.
Mas Suassuna os atacava pelas razões erradas. Não há “superioridade” da cultura brasileira, e em particular da nordestina, sobre a cultura pop internacional. Por uma razão muito simples: o sistema arquetípico sobre o qual elas se constroem é exatamente o mesmo.
A mesma graça que há nos modos e sotaques regionais pode ser vista em expressões culturais globais. A cultura pop é simplesmente o “folclore sintético”. O que está por trás do Batman, do Super Homem, dos filmes policiais negros da blaxploitation ou da Madonna são os mesmíssimos arquétipos que animam os mitos gregos do Monte Olimpo, as lendas dos orixás das religiões africanas ou os arcanos do Tarô.
Não é à toa que Suassuna implicou tanto com os tropicalistas (de maioria baiana) quanto com o manguebeat que surgiu no seu estado de adoção, Pernambuco. Dizia que falaria com Chico se ele tirasse o Science do nome, e que a música da Nação Zumbi era “de quarta categoria”.
Suassuna se irritava porque esses nordestinos decifraram as matrizes em comum que existem na cultura popular brasileira e em qualquer expressão cultural. Ao mesmo tempo em que escapavam do purismo elitista e castrador, propunham uma forma nacional, desinibida e não-colonizada de cultura pop.
Diz uma letra do Mundo Livre SA, “O Ariano e o Africano”, de 1998:
“Há quatro séculos a alma africana tem sido um motor
Da inquietação, da resistência, da transgressão
O negro sempre quis sair do gueto
Fugir da opressão fazendo história
Ganhando o mundo com estilo
E é assim que a alma africana sobrevive com brilho e vigor
Em todo o novo continente o africano foi levado para sofrer no norte e gerou,
entre outras coisas, o jazz, o blues, gospel, soul,
r&b, funk, rock’n’roll
No centro, o suor africano fomentou o mambo, o ska,
o calipso, a rumba, o reggae, dub, ragga,
o merengue e a lambada, dancehall e muito mais
Mas é o ariano que ignora o africano ou
é o africano que ignora o ariano?
E ao sul a inquietude negra fez nascer,
entre outros beats, o bumba, o maracatu, o afoxé,
o xote, o choro, o samba, o baião, o coco, a embolada
Entre outros, os Jacksons e os Ferreiras,
os Pixinguinhas e os Gonzagas,
as Lias, os Silvas e os Moreiras
A alma africana sempre esteve no olho do furacão
Dendê no bacalhau, legítima e generosa transgressão
É Dr. Dre e é maracatu
É hip hop e é Mestre Salu
Mas é o ariano que ignora o africano ou é o
africano que ignora o ariano?”
Ariano Suassuana
É um flagra perfeito da condição elitista de Suassuna, branco cristão e filho do governador assassinado da Paraíba em 1930, que abraçou concepções culturais marxistas, não para libertar a cultura popular mas, pelo contrário, para mantê-la sob controle.
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Suassuna era um artista inspirado. Surpreendentemente pop, a se julgar, por exemplo, pelo filme e microssérie da Globo “O Auto da Compadecida”. E o seu Movimento Armorial teve grande impacto na cultura pernambucana. Mas fazia sempre a trajetória inversa do tropicalismo, do manguebeat e do modernismo antropofágico – as mais generosas e brasileiras das expressões, exatamente pelo não-purismo.
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Suassuna não aceitava os aspectos bastardos da cultura popular; pelo contrário, queria adensá-la e refiná-la numa expressão erudita. Ou seja, como pensador cultural, era um conservador odioso. Declarava-se “inimigo da colonização e do poder do dinheiro”, mas ele mesmo um colonizador de consciências e um guardião do status quo.
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Não é de se estranhar que Ariano tenha sido membro-fundador, um dos “cardeais” do Conselho Nacional de Cultura. Uma estranha convergência entre intelectuais (inclusive de esquerda) e a ditadura militar entre 1967 e o anos 70, baseada na busca de uma identidade de Brasil com um sentido cívico, tradicionalista e otimista. Foi a experiência no Conselho que impulsionou Suassuna na organização do movimento Armorial em Recife.
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Acontece que o negro, ou qualquer oprimido que busca sua libertação na lida cultural, como bem explica a letra do Mundo Livre, é amigo da eletricidade, da cultura em movimento e reinvenção, da provocação bastarda e dessacralizada, da incorporação e inversão de termos pejorativos (funk, punk, junky, nigga etc) – e não do reconhecimento institucional.
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O momento mais memético de Suassuna na internet é um fruto, bastante humorístico, de seus equívocos. Em suas aulas-espetáculo gostava de contar o causo de um músico punk ou funk que cantou-lhe uma letra. Ela falava de modelos atômicos, dos físicos Rutherford e Bohr, de um cavalo morto e que “fora do buraco tudo é beira”. Naturalmente sua “interpretação” jocosa da tal letra virou um vídeo viral, o “Funk do Suassuna”.
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Reza a lenda que Suassuna se divertiu com a adaptação (parece que com o trocadilho no nome do bloco carnavalesco Arriano Sua Sunga ele já não lidou tão bem). E, mesmo brigado com o manguebeat, chorou copiosamente no velório de Chico Science. Seria essa sua dimensão humana e generosa.
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Mas sua teoria cultural elitista e (anti) popular continua inaceitável. O pior de dois mundos, a convergência da culpa cristã com a marxista. Se Michael Jackson e Madonna são meramente “lixo cultural”, como gostava de dizer de boca cheia, Ariano Suassuna era um velho burro, burro e burro.
Não sei em que ficou a promoção de Huck para as garotas de programas com gringos, via TV Globo.
A festança da Copa, no Brasil moreno, vai render suas crias nas farras e surubas musicais vendidas por comerciantes da noite, que apenas pensam naquilo… no dinheiro.
Lá da querida Natal, este excelente comentário de um dos maiores jornalistas brasileiros
A MÚSICA QUE PIOROU
por Woden Madruga
Era para escrever sobre a Copa que agora anda sugerindo um novo legado: os meninos que vão nascer em março do ano que vem. Os meninos gerados nos fanfestes e por trás das arquibancadas. Já tem gente associando a futura safra com a dos meninos de olhos azuis do tempo da Segunda Guerra Mundial, os americanos acampados pelos descampados de Ponta Negra, de Parnamirim Field a Miami Beach. Mas aí é preciso de muita sociologia para explicar essas coisas e o tempo é curto e, além do mais, falta quase nada para o começo do jogo. Mas tenho que mandar a coluna antes das três da tarde. E aí, como sempre acontece em tais situações, recorro à velha lição que me foi ensinado por Waldemar Araújo, querido e sempre saudoso mestre do jornalismo: usar a tesoura. Quer dizer: mande para a oficina um recorte de jornal, uma reportagem, um artigo, uma crônica. A edição não pode ser atrasada.
É o que faço, aqui e acolá, quando o tempo não tem mais tempo ou porque o assunto não chega à cabeça, sem falar na ligeira preguiça de todos os dias de quem já passou, com folga, dos setentanos. Mais das vezes também o que se lê em outros jornais (agora favorecidos pela internet) é tão oportuno, tão importante, tão bacana, que acho na obrigação de transcrever neste canto já cinquentão da Tribuna da Norte, presenteando o leitor fiel que, na maioria dos casos, não tem acesso àquelas fontes. Ah, digo comigo mesmo, vou dividir este meu prazer com a galera da Reta Tabajara ou com os convivas do Mestre Gaspar, sem esquecer do amigo Ambrósio Azevedo, meu oráculo de São Paulo do Potengi.
Exatamente o que pensei depois de ler a crônica de Ruy Castro, Cultura reduzida, publicada na edição do dia 30, na Folha de S. Paulo. Aliás, o texto deveria ser lido em todas as escolas deste vasto país. Lido e comentado. Lido, inclusive, pelas pessoas que dizem cuidar da cultura de sua terra, do gestor público ao artista de pose e de nariz arrebitado, moderníssimo. Bom, o jogo vai começar e já se prepara o som para os hinos do Brasil e da Colômbia. Passo, então, a palavra para Ruy Castro, um dos importantes escritores brasileiros contemporâneos, excepcional biógrafo, craque da crônica:
CULTURA REDUZIDA
Estudo recente, orientado pela cientista americana Nadine Gaab, do Laboratório de Neuociência Cognitiva do Hospital Infantil de Boston (EUA) e publicado pela revista Plos One, confrontou um grupo de 15 crianças, de 9 a 12 anos, que estavam aprendendo a tocar algum instrumento musical, com outro grupo que não passava por essa experiência.
Os que estudavam música pareceram mais aptos a reter e processar informações, resolver problemas, relacionar-se com os outros e desenvolver a atenção, a concentração e a capacidade motora. Ou seja, levaram vantagem nos testes de funções cognitivas, atividade cerebral e outros. Naturalmente, a música a que a pesquisadora se refere é a que contém seus componentes essenciais – melodia, harmonia e ritmo -, valoriza a beleza e se dirige à inteligência. Nada a ver com Justin Bieber.
Há 50 ou 60 anos, os jovens ouviam toda espécie de ritmos sambas, baiões, foxes, mambos, fados, boleros, tangos, canções francesas e napolitanas, valsas vienenses, jazz, calipso, rocknroll. Sabiam identificar qualquer instrumento que vissem ou ouvissem distinguiam entre um trompete e um trombone, sabiam escalar a família inteira dos saxes, citavam pelo menos dez variedades de cordas e conheciam a maioria dos instrumentos de uma sinfônica. Aprendíamos com o cinema, o rádio ou nossos pais.
A partir dos anos 70, a vida reduziu a guitarras, teclados e percussão. Os outros instrumentos deixaram de existir. Os ritmos nacionais se evaporam e a música popular ficou igual em toda parte. A educação musical dos garotos empobreceu. E os pais não podem ajudar, porque, já nascidos nesta realidade, seu conhecimento não é muito maior que o dos filhos.
Em breve, estudos como o da dra. Nadine serão impossíveis. Não haverá crianças em quantidade para fazê-los.
La cantante y compositora brasileña es ejemplo de una envidiable tradición en la cultura de ese país: sus canciones suenan en las telenovelas más populares y, al mismo tiempo, son tan elaboradas como profundas en su contenido. Lo ideal es verla y escucharla. Para eso está Verdade uma ilusao, su último DVD, próximo a ser editado en la Argentina.
La entrevista está pactada llamando “al número del estudio” de Marisa Monte. Muy pronto saldrá a la venta en la Argentina Verdade uma ilusao, el DVD que acaba de editarse en Brasil, que registra el concierto que la cantante y compositora dio el año pasado en el Great Hall de Río de Janeiro, el mismo que mostró el año pasado por estas tierras. Esa es, entonces, la excusa para hablar con una de las artistas más originales del Brasil, autora de canciones contundentes en su belleza. El primero que atiende es un contestador muy hogareño, con la voz de una niña: “¡Deje su mensaje!”. ¿Es que Marisa Monte tiene ese estudio en la casa? “Bueno, hoy todo el mundo dice ‘tengo mi estudio’, y lo que tenés es una computadora y un lugar para tocar”, advierte ella. “Con la tecnología todo se ha simplificado mucho. La mayoría de los músicos tienen un equipamiento muy simple, con el que pueden grabar con calidad muy buena. En ese sentido, el avance tecnológico fue muy bueno para nosotros: democratizó los medios de producción”, describe.
Algo del orden de esa simpleza buena transmite la carioca, tanto en la charla como en sus canciones, hechas de melodías pegadizas, estribillos contundentes y letras que van un poco más allá de lo obvio. Marisa Monte es un ejemplo de eso envidiable que ocurre en el Brasil –además de su condición de sede mundialista–: sus canciones suenan en las telenovelas más vistas y, al mismo tiempo, son tan elaboradas como profundas en su contenido. Ahora, por ejemplo, Monte ha decidido apuntar al tema de la verdad: su último disco de estudio, de un par de años atrás, se llamó O que vôcé quer saber de verdade, y ahora ha tomado el nombre de una de las canciones de ese disco, “Verdade uma ilusao”, para llamar al DVD que reúne desde el vivo esas y otras viejas canciones. Un nombre que surge, dice Monte, casi a modo de respuesta.
Más allá de esta edición que próximamente hará aquí Universal, Monte se ha propuesto ya desde el disco anterior aprovechar el costado democratizador de Internet y, por ejemplo, lanzar primero desde allí sus canciones. “Vamos lanzando los videos o las canciones de a uno por día, o cada dos días. Me gusta eso que tienen las redes: han hecho que las distancias entre los músicos y su público sean más cortas. A mí me han ayudado a encontrar un contacto directo con la gente que escucha mis canciones. Y eso es algo que agradezco”, dice.
–Lo suyo parecería ir en contra de la idea misma del disco…
–No es más que oficializar un movimiento que naturalmente ya ocurre, porque cuando uno lanza un disco, o como en este caso un DVD, automáticamente son los mismos fans los que empiezan a subir cosas. Eso es natural, es por otro lado un modo de demostrar interés por tu trabajo, y sería tonto pelearse con eso.
–Pero muchos lo hacen.
–No me parece una estrategia muy inteligente: va contra la realidad. Responde en todo caso a una idea antigua, de cuando la industria estaba en contra de la tecnología. Fue un primer impulso, una primera respuesta, que evidentemente no se ajustó a una realidad que la superó.
–¿Cómo fue gestado este nuevo disco y por qué la decisión de tomar el vivo de este teatro de Río?
–Son muchas mis actuaciones en ese escenario, empecé actuando allí aun antes de mi primer disco en vivo, lo cual también es una cosa bastante atípica. Y esta gira fue muy larga y muy intensa, fuimos a muchas, muchas ciudades de Brasil, también al exterior; recuerdo particularmente el concierto que dimos en la Argentina. Fue un show que tenía un aspecto visual muy fuerte, y queríamos dejar constancia de eso. Era importante el registro, porque tengo un límite físico en las temporadas, no puedo ir a todos los lugares, mucha gente quiere ver, cumple esa función de estar ahí para más gente por más tiempo y está disponible para personas que no pudieron ver a través de otros tiempos. Pudimos registrar también la actuación de Lautaro Greco, ese gran bandoneonista argentino, en la versión de “El pañuelito” (el tango de Juan de Dios Filiberto y Gabino Coria Peñaloza, la misma dupla autoral de “Caminito”), que aquí se adaptó como “Lencinho querido”. Es una versión en portugués de ese tango muy clásico que aquí cantaba Amalia de la Vega. A mí me interesó e investigué mucho esa intersección entre el tango y la música brasileña, encontré muchos ejemplos de los años ’40 y ’50, cuando era muy común que los grandes cantores brasileños interpretaran tango.
–Como “cultura de la canción”, ¿qué cree que tiene que tener un buen tema, qué le interesa a usted cantar?
–¡Canciones y músicas que me gusten, básicamente! Parece una obviedad, pero no sé si lo es tanto. Lo primero que busco en una canción es que me guste a mí. Quiero decir, me tiene que gustar para que pueda servirme como vehículo de comunicación, porque allí está todo, en esa búsqueda de comunicación. Yo busco en las canciones un instrumento melódico, un instrumento también desde la palabra, y en definitiva busco a través del canto encontrar una manera para comunicarme con los otros, la manera que siento más buena para mí.
–En este repaso presenta muchas canciones de amor. ¿Es por alguna razón en especial?
–No, no creo que haya un tema preponderante. Obviamente, el amor aparece, como aparece para la mayoría de los seres humanos, ¿no? No sólo el amor por un compañero o un par, no sólo el amor con deseo, con pasión: también el amor en este mundo contemporáneo, con los seres humanos tan ocupados en tantas cosas que nos distraen, con tanto ruido de por medio. Quiero decir, también hablo de amor de otras maneras colectivas, menos personales.
–El disco anterior se llamaba O que vôcé quer saber de verdade. Y éste toma también una de las canciones de ese trabajo, para nombrarlo afirmando Verdade uma ilusao. ¿Por qué esta fijación con el tema de la verdad?
–Son dos canciones que funcionan como un contrapunto, como si una respondiera a la otra. La primera habla sobre un mundo de información, mejor dicho sobre el exceso de información con el que debemos convivir. Esa necesidad de silencio que aparece en un mundo como éste, el silencio necesario para poder escuchar las necesidades del alma. Y habla también de cómo el ser humano tiene dificultades de encontrar ese sentido realmente importante para cada uno de nosotros, cómo en un mundo contemporáneo, con tanta información, se hace finalmente difícil –cuando no imposible– encontrar la verdad. Y, por otro lado, la otra canción habla de que no existe la verdad de una forma colectiva: la verdad, en todo caso, es un concepto individual, un concepto íntimo de cada uno de nosotros. Entonces, al mismo tiempo que digo esto, hablo de esa necesidad de contemplación que surge en este mundo que engendra tanta información, de ese silencio necesario. Hallo un contrapunto interesante ahí, por eso quise destacarlo desde los títulos de los discos.
–Se toma bastante tiempo, años, entre un disco y otro. ¿Por qué?
–Hago giras muy grandes, muy largas. Ahora, por ejemplo, vengo de dos años de gira. No puedo tirarme de cabeza a grabar un nuevo disco, necesito tomarme un tiempo que para mí es natural, no me parece nada especial. Es un ciclo que funciona para mí, hasta que encuentro que las cosas están prontas. Cuando termino una gira larga, necesito estar en casa, escuchar música, leer, ir al cine, estar con amigos, charlar, andar por ahí… ¡No necesito tocar la guitarra! El tiempo que se viene después de una gira es un tiempo necesariamente calmo, tengo que darme un espacio para la vida más cotidiana, para encontrarme con mis compañeros, para viajar sin trabajo de por medio. Para poder crear después, necesito de ese tiempo. Es un círculo normal de creación, y hay etapas en que necesito tiempos mayores, cuando nacieron mis hijos, por ejemplo, o después de otras cosas que me fueron sucediendo. En fin, el trabajo es una consecuencia de la vida y no al revés… Y por eso mi trabajo está bien ligado al ritmo de las cosas que van aconteciendo en mi vida.
–¿Y en qué momento de ese círculo de creación se encuentra ahora?
–Acabo de terminar esta gran gira, hemos lanzado el DVD, ahora mismo estoy dando entrevistas (risas). Pasará todavía un tiempo para que entonces sí pueda empezar a pensar en un disco nuevo.
–Es inevitable: tengo que preguntarle por el Mundial. ¿Cómo lo está viviendo, de local?
–Este ha sido un Mundial con mucha agitación política de por medio. La larga dictadura que vivimos en Brasil dejó su marca, entre otras cosas en una gran despolitización de muchos años, algo que se va revirtiendo, pero muy de a poco. A los brasileños nos tomó mucho tiempo darnos cuenta de que no basta votar para vivir en democracia, que hace falta comprometernos en los temas públicos, que tenemos que dejar de sentarnos a esperar que alguien, otro, el gobierno o quien sea, resuelva todo por nosotros. Y éste es un año de mucha sensibilidad, es un año político, un año de elecciones. En medio de toda esta agitación política es que llega este Mundial. Lo estoy viviendo con esa tensión.
Num protesto solitário contra a inclusão da palavra “barraco” na lista de palavras proibidas da Cartilha do Politicamente Correto; e também por tudo que está acontecendo no morro: fiz este sambinha aqui…
BARRACO
Por lei de nosso sinhô
– presidente do Brasil –
Nosso barraco
condenado à morte está
Mestre Adoniran
– que Deus o tenha –
há de se abismá
– onde nóis foi feliz, Isabé
não vai ser mais
Nosso barraco não tá mais lá
e ninguém pode falá
Ninguém qué ouvir nem explicá:
Mas com verbo pode sê
até deputado federá
—
Imagem: Releituras da Arte Moderna através do Graffiti (dentro do projeto Escola Aberta)
Minha vida
Era um palco iluminado
Eu vivia vestido de dourado
Palhaço das perdidas ilusões
Cheio dos guizos falsos da alegria
Andei cantando a minha fantasia
Entre as palmas febris
Dos corações
Meu barracão no morro do salgueiro
Tinha o cantar alegre de um viveiro
Foste a sonoridade que acabou
E hoje,
Quando do sol,
A claridade
Cobre o meu barracão,
Sinto saudade
Da mulher pomba-rola que voou
Nossas roupas comuns
Dependuradas
Na corda,
Qual bandeiras agitadas
Pareciam um estranho festival!
Festa dos nossos trapos
Coloridos
A mostrar que nos morros mal vestidos
É sempre feriado nacional
A porta do barraco
Era sem trinco
E a lua, furando o nosso zinco
Salpicava de estrelas
O nosso chão…
E tu
Tu pisavas nos astros distraída
Sem saber que a ventura desta vida,
É a cabrocha,
O luar
E o violão…
A porta do barraco
Era sem trinco
E a lua, furando o nosso zinco
Salpicava de estrelas
O nosso chão…
E tu
Tu pisavas nos astros distraída
Sem saber que a ventura desta vida,
É a cabrocha,
O luar
E o violão…
Nesta sexta-feira, às 19 horas, na Livraria Cultura, no Paço da Alfândega, no Recife Antigo, o romancista Urariano Mota estará autografando o Dicionário Amoroso do Recife.
Um dia histórico este 28 de Março de 2014. Poucos livros marcam um povo. Faz história. Acontecerá com o Dicionário Amoroso de Urariano. Porque será sempre citado. Como fonte da história dos costumes, das coisas, das armas, dos barões assinalados e do povo pernambucano, nordestino, brasileiro, e de forasteiros recifenses por adoção.
O título devia ser enciclopédia – o conhecimento geral do Recife -, mas Urariano preferiu dicionário.
Por ser verbetes em ordem alfabética, obviamente começa com a letra A: Abelardo, Alberto, Artur, Ascenso, Ariano e outros. Sei que tem vários Antonios, inclusive o santo com sua Igreja, na Pracinha do Diário.
Se perguntar para Urariano o nome do livro, dirá que é um abecedário. Ou um Guia Prático da Cidade do Recife, nome de um poema de Carlos Pena Filho.
Um leitor de Urariano vai chamar de romance. Um romance de amor ao Recife. Com uma multidão de personagens.
Urariano Mota
Confidenciou Urariano: “Este livro é fruto de toda minha vida na cidade, um lugar possuidor de visco e modo de ser que acompanhou e acompanha o autor sempre. Pelo menos duas vezes tentei viver em outras terras, mas em vez de me adaptar a elas, procurei nas outras alguma característica que fosse do Recife. É um fenômeno conhecido em todas as paixões que se rompem antes que se resolvam. Quem perde, procura em outras pessoas características semelhantes àquela pessoa anterior: um rosto, um nome, um riso, um igual defeito, um perfume que lembre o bem perdido. Como bem musicou Capiba nos versos de Carlos Pena Filho:
‘Você tem,
Quase tudo dela,
O mesmo perfume,
A mesma cor,
A mesma rosa amarela,
Só não tem o meu amor (…)’
Assim uma vez em São Paulo, no apartamento de Gildo Marçal, na sala de onde se via a garoa noturna de São Paulo, uma jovem me arrancou da tristeza ao declamar Ascenso Ferreira:
‘Babá-do-Arroz-Doce, Sá-Biu-dos-Cuscuz,
o home dos caranguejo e dos siri!
Folha verde – Deliciosa meninice das gentes de minha terra,
que eu tanto amei e senti…’
Eu pedia para que ela repetisse, como se fosse música de radiola de ficha: ‘babá-do-arroz-doce, sá-biu-dos cuscuz’, porque essa voz dialetal vinha da infância no Recife. E por isso a jovem em São Paulo me deixava sorrindo feito menino.
Mesmo em viagens para ficar apenas dois dias em outra cidade, eu sempre quis ir a restaurantes que servissem comida nordestina. Não era peitica, como falamos os recifenses, era um cordão ligado ao útero do Recife. Havia sempre em todas as ruas de outros lugares uma falta, ora do cheiro de mar, ora do Capibaribe, ora do suco de graviola, de cajá, de feijão com charque e jerimum, das coisas mais caras que fazem uma identidade. Se estou em João Pessoa, cidade bonita e acolhedora, na praia de Tambaú descubro com exclamações o restaurante Gambrinus, mesmo nome do bar que existia na Marquês de Olinda, em nossa juventude. O Recife traz para mim a situação daquela música de Herivelto Martins, Pensando em ti: ‘eu amanheço, eu anoiteço, pensando em ti’, cidade. Nos livros que tento ler em cada frase o Recife está. Santa cidade, não deixa nem espaço para eu pensar em Deus. Aliás, se existe, Ele é o Recife…
O leitor já vê que o campo dos significados deste dicionário não foi consideravelmente apurado quanto à exatidão e clareza. Como pode o coração ser exato? Os significados neste livro vêm na nuvem da memória e do sentimento. Ou numa tentativa de ser mais preciso: a memória fala daquilo que a marcou. É sentimemória ou memória sentimentada. A clareza será percebida pela empatia que a expressão escrita despertar. Falo para humanos a humanidade do Recife. A clareza, se felicidade eu tiver, virá daí. A exatidão, se ocorrer, virá da verdade que o dicionarista ousou imprimir nos verbetes, ou nas definições da alma da cidade que fala à semelhança de verbetes.
Os autores de dicionários falam sempre que, em relação à primeira edição, centenas de milhares de alterações foram introduzidas em todos os elementos componentes (com o perdão da rima, mas dicionarista raro sabe escrever) da edição anterior. Mas neste caso, em que a primeira edição se faz agora, as alterações se registram nas mudanças da cidade. Como no deslocamento do que antes era ‘o centro do Recife’, ou no sentido das translações do carnaval do Recife, que cresceu pela incorporação do carnaval de Olinda. Ou então no sonho do que foi e teria sido o Teatro Marrocos, lugar de perdição pelo que dele imaginavam os jovens que não tinham 18 anos ou dinheiro para vê-lo. Os olhos que recuperam o passado não se deleitam nele, porque seguem para a transformação da cidade além do espaço físico, porque atingem os gostos e costumes do Recife.
É claro, como bem acertam os grandes lexicógrafos, ‘não há como ser definitivo e muito menos exaustivo no mister da lexicografia’. Alertando para o mister aí, que não é o paroxítono Mister senhor, mas oxítono como clister, e com o sentido de senhor ofício ou trabalho, anotamos que o dicionário de uma cidade jamais será definitivo ou exaustivo. Será de exaustão apenas para quem o faz. Isso porque a cidade é mais resistente a uma conformação de A até Z, que o léxico autoriza. Na cidade, mais rápido que na língua, tudo é mudança. Por isso, ‘no que tange à datação do primeiro registro das palavras em português, pudemos antedatar, por vezes de séculos…’, não, este dicionarista aqui não é de séculos, apesar de, pelas barbas brancas, haver quem o chame de Papai Noel”.
O protesto dos garis que anunciaram que continuariam em greve nesta quinta-feira (6) terminou por volta das 15h35, em frente à Câmara Municipal do Rio, no Centro. Os manifestantes prometem um novo ato para esta sexta-feira (7), com concentração a partir das 10h, em frente à Prefeitura do Rio.
Na Câmara Municipal, líderes do movimento pronunciaram discursos e cantaram uma paródio do samba da Unidos da Tijuca, campeã do carnaval do Rio neste ano: “Acelera Comlurb que eu quero ver, esse lixo vai render”.
Fura-greves e trabalhadores avulsos, com escolta armada de guardas municipais e empresas de segurança, assumiram a coleta de lixo em alguns pontos da Cidade, conforme decisão do prefeito Eduardo Paes.
“Nós somos trabalhadores e decentes. Mobilizaram uma escolta armada pra que? Somos bandidos? Que venha bala de borracha e bomba de efeito moral. Quero meu direito de cidadão. A nossa proposta era de 1200 de salário básico, 40 por cento de insalubridade nesse valor, auxilio creche, salários diferenciados , tiquete refeição de 20 reais e a da prefeitura era de 800. Nós queremos um salário digno. Isso aqui é independente de sindicato, o sindicato nao nos representa mais. O nosso trabalho ninguém quer fazer. O prefeito nao quer pagar por isso. “, disse William Rocha de Oliveira, da comissão de greve da Comlurb.
Mais uma molecagem de Eduardo Paes e Sérgio Cabral
por Garotinho
Como sempre as Organizações Globo (O Globo e Extra e RJ TV) cumprem seu papel de porta-voz oficial do PMDB – RJ. Afirmam que o PR estaria por trás da greve dos garis. Francamente, isso é um absurdo. Da mesma maneira que inventaram que o partido patrocinava os Black Blocs para salvar Cabral, agora querem nos por a culpa pela incompetência da prefeitura em resolver seus problemas.
Quero deixar claro que embora respeite o direito de greve dos garis, como de todos os trabalhadores, não tenho nenhuma participação no movimento. Aliás, soube da greve pelo jornal, que por sinal afirmava que eram apenas 300 garis de um total de 15 mil, enganando a população, que agora vê que 70% estavam parados.
O lixo que se acumula pelas ruas do Rio é um problema que deve ser resolvido pelo prefeito dialogando com as partes envolvidas. Querer usar uma foto de alguém que está à frente do movimento tirada comigo pelo fato de ter sido candidato a vereador nas últimas eleições é uma falta de compromisso com a verdade.
Cabral e Paes têm essa mania querem sempre arrumar um culpado para a incompetência deles. Quer dizer que agora o prefeito não se entende com os garis, o culpado é Garotinho? As UPPs vão mal, o culpado é Garotinho? Quem gastou em R$ 1,2 bilhão em publicidade e marketing nos últimos sete anos podia pelo menos arrumar uma desculpa melhor.
andradetalis 