Empetur paga caro para fazer um carnaval sem a cara de Pernambuco

Caboclinhos
Caboclinhos

Desculpem o trocadilho. Ninguém sabe quanto as prefeituras e o governo do Estado investem no nosso autêntico Carnaval, realizado por clubes e troças e grupos folclóricos que divulgam o frevo, o maracatu, a ciranda, o coco, os caboclinhos, entre outros ritmos.

Jamildo Melo denuncia: Entenda porquê artistas nacionais vão às lágrimas, como Fafá de Belém, ao falar do Carnaval de Pernambuco

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Acrescenta Jamildo: “No Carnaval de Pernambuco, a Empetur está dando uma força para as bandas de fora para que toquem no interior. Os gastos parciais foram compilados com base no Diário Oficial de Pernambuco e a relação dos principais contratos. Curiosamente, o Maestro Spok, homenageado do Carnaval do Recife, só recebeu um contrato para tocar fora do Recife. O seu cachê de apenas R$ 35 mil é mais barato que o show de Waleska Popusuda no Baile dos Artistas”.

Essa gente vai descaracterizar o Carnaval interiorano. Que as cidades têm seus carnavais típicos, como Nazaré da Mata com o Maracatu Rural, Bezerros com os Papangus, Pesqueira com o Carnaval dos Caiporas, Triunfo com o Carnaval dos Caretas.

 

Maracatu Rural
Maracatu Rural
Caiporas, foto de Ricardo Moura
Caiporas, foto de Ricardo Moura
Papangus
Papangus
Caretas
Caretas

A variedade de ritmos, de manifestações carnavalescas representa uma diversidade que enriquece nossa Cultura. Basta o exemplo de que o Carnaval do Recife é totalmente diferente do Carnaval de Olinda.

Os shows patrocinados pela Empetur visam uma unicidade que corrompe em todos os sentidos do termo. Corrompe o comportamento do povo, nossos costumes, marginalizam os grupos folclóricos, principais responsáveis pela autenticidade do Carnaval pernambucano, festa do povo, feita realizada e patrocinada pelo povo, que o dinheiro dos governos estadual e municipais o rei Momo não sabe bem o destino.

 

 

 

 

Dança da chuva no dia terminal da campanha de Aécio em São Paulo

Reservatório do Sistema Cantareira
Reservatório do Sistema Cantareira
Steve Greenberg
Steve Greenberg

O governador Geraldo Alckmin programou e convida o povo da Grande São Paulo para o mega evento da dança da chuva, que considera como a única solução técnica do seu governo para encher de água as represas que abastecem a Capital e cidades do Estado.

Apesar de escondido pela imprensa, o fornecimento de água vem sendo realizado com caminhões-pipa.

A medida visa que o eleitor tenha água nas torneiras, e vote no segundo turno com o corpo lavado em um banho de chuveiro, hoje só possível nos palácios, palacetes, condomínios de luxo e hotéis cinco estrelas.

A dança da chuva foi decidida em uma reunião da cúpula do PSDB e coordenadores da campanha de Aécio Neves.

Os pastores Silas Malafaia e Marco Feliciano mandaram um ultimato para o candidato Aécio Neves não comparecer a esse ritual pagão e sacrílego. Marina Silva garantiu que ia, depois disse que não, depois disse que sim. Ela através de sua fundação e ONGs ficou de arranjar um índio para a dança, assim revelou Alckmin.

Água índio

Enquanto o evento não acontece, associações de bairros e líderes do Primeiro Comando da Capital estão sendo convocadas para treinar os moradores eleitores para o grande dia da dança da chuva.

Instruções

1
Forme duas linhas paralelas uma à outra com cerca de 1 m de distância. Os homens ficam em uma linha, as mulheres em outra.

2
Dê um passo a frente com o seu pé esquerdo.

3
Levante o pé direito enquanto se move para a frente e leve esse pé ao chão. Os homens podem pisar com mais vigor do que as mulheres.

4
Continue a avançar desta maneira — pé esquerdo, pé direito mais alto, pise firme ao chão. Ao contrário de outras danças nativas americanas realizadas em um círculo, dançarinos da chuva movem-se em um quadrado pelos lados da sala ou área em que estão dançando.

5
Durante uma parte da canção, e enquanto se move para a frente, vire o seu rosto para a direita. Durante a próxima parte, vire-o para a esquerda. Um padrão em zigue-zague é formado enquanto você continuar dessa maneira.

6
Entre as partes, os dançarinos podem parar e rodar, imitando o vento, que simboliza a promessa de chuva. As mulheres podem entoar ou cantar a música que está tocando, e os homens podem gritar com a batida.

 

 

 

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El Oxímoron: danza contemporánea africana

Las cuatro bailarinas de la compañía Tché Tché: Nadia Beugré, Nina Kipre, Flavienne Lago y la misma Kombé. Fuente: Dance View Times.
Las cuatro bailarinas de la compañía Tché Tché: Nadia Beugré, Nina Kipre, Flavienne Lago y la misma Kombé. Fuente: Dance View Times.

Posted by Gemma Solés

El discurso puritanista respecto a las identidades africanas ha tendido a juzgar de no suficientemente auténtico a muchos africanos estupefactos ante acusaciones de “descafeinados”, “occidentalizados” o “pervertidos”. En una realidad en tensión como la que viven los jóvenes artistas africanos de hoy, las creaciones más subversivas y desafiantes se presentan como una contestación firme a aquellos que discriminan la modernidad africana. La creatividad que caracteriza a los artistas africanos contemporáneos redefine y reconstruye un continente en constante movimiento, a regañadientes de los que creen que la tradición es inmovil o la modernidad es un suicidio de la autenticidad africana. El Oxímoron, como dos conceptos opuestos que generan un nuevo sentido, nos sirve para reivindicar esa nueva África de lo tradicional moderno, y va a ser nuestro espacio para una serie sobre el dinamismo cultural que conlleva la danza contemporánea sursahariana.

Béatrice Kombé (2004) Fuente: Antoine Tempé

Empezamos en el África Occidental Francófona, rindiendo homenaje a una de las coreógrafas africanas contemporáneas que más ha contribuido a desmitificar la danza africana. Béatrice Kombé nos dejó en 2007 con tan solo 35 años, pero en su corta carrera llevó los espectáculos más rompedores fuera de las fronteras africanas y contribuyó a echar por tierra algunos de los clichés más arraigados en torno al concepto de la danza en África. Empezó con grupos como la compañía nacional de Costa de Marfil Ballet de Marahouét, pero su principal legado se ha convertido en una auténtica escuela, en la que queremos ahondar en ésta sección.

La compañía Tché Tché (‘águila’ en lengua Beté), fundada en Abiyán, Costa de Marfil, en 1997 junto a Guillaume Lebri Bridji es un referente cuando hablamos de danza contemporánea africana. La agrupación, exclusivamente femenina, intenta romper con los estereotipos de la danza africana. Las chicas que conforman la escuela, exhiben cabezas rapadas y cuerpos atléticos. Nada de melenas o cuerpos suaves, nada de cumplir con los cánones de la belleza occidental o intentar complacer imposiciones estéticas. Las amazonas de Tché Tché quieren representar la identidad de un África joven y perdida, que busca su propia identidad entre lo que debería ser (esa supuesta tradición de la que le cargaron los padres de la emancipación nacional) y lo que es en realidad. Estas mujeres africanas -hijas, esposas y madres- buscan a la vez el reconocimiento occidental y el africano. Quieren mostrarse de acuerdo a los cánones de sus padres, de sus maridos y de sus hijos, pero sin dejar de ser ellas mismas. Su responsabilidad recae en mostrar una imagen real de sí mismas a través del movimiento corporal, con una alquimia que nace del eco de las danzas locales y que se nutre del legado europeo, convertido en tan propio como el pre-colonial.

La presión que representa la cuna de la comunidad, que les juzga si innovan, o la mirada occidental, que las clasifica de inmovilistas si se ciñen a lo tradicional, se convierte en la principal fuente de inspiración de la compañía Tché Tché. Esta angustia reconcilia ambos universos, y la energía que emana de su creativa síntesis cultural se erige como la respuesta a una sociedad patriarcal siempre dura con la mujer africana. Por ello, las mujeres aparecen fuertes, pasionales y protagonistas absolutas del “hoy” africano. Se constituyen como el principal foco del mundo urbano y a su vez, como la medula espinal del mundo rural. Con el símbolo del ‘águila’, la compañía Tché Tché representa el poder y el dominio de la mujer africana contemporánea sobre todos los campos. Su principal característica, la representación ambiciosa del africano que no renuncia a seguir con la tradición pero tampoco se resigna a instalarse pasivamente en ella.

Su obra Dimi o La pena de la mujer (1998), es su pieza más famosa. Premiada por la UNESCO en el Festival MASA (Marché des Arts du Spectacle Africain du Côte d’Ivoire) de 1999 y subtitulada Un Himno a la Solidaridad Femenina, se convirtió en pionera en su género y fue incluida en el documental African Dance: Sand, Drum, and Shostakovich, que explora a través de distintas compañías de danza africanas las consecuencias de la colonización y la urbanización, el cambio de roles de la masculinidad y las relaciones familiares en el Festival Internacional de la Nueva Danza de Montreal, Canadá. Con Dimi, Kombé y las demás bailarinas de Tché Tché, pretenden trasladar la angustia de ser mujer africana al espectador. Con la dinámica constante de andar, metáfora del no estar nunca quieto, y el vocabulario gestual que expresa el abrazo de la naturaleza, el grupo afronta las escenas en conjunto. Estas cuatro mujeres escinden el grupo para experimentar en las emociones individuales y dilatan su individualidad hasta las fronteras del otro. Todo aderezado con la delicadeza sonora de una flauta y el ritmo percutido de un teclado, ha sido una de las obras de danza africana contemporánea más internacionales de la última década.

A pesar de haber llevado por los escenarios de África, Europa y Estados Unidos obras como Sans Reperes (1999), Source (2000) o Geeme (2002), la muerte de Kombé ha truncado la actividad de la compañía marfileña. Pero su estilo sigue vivo en festivales, auditorios y teatros de todo el mundo. La escuela continúa reivindicando el fuerte papel de la mujer en las sociedades africanas contemporáneas, ya sea gracias a la actuación de sus compañeras de reparto (especialmente, Nadia Beugré) como la de otras muchas mujeres que encuentran en la danza contemporánea la mejor manera de desenquistar la identidad del África actual.

En vidéo. Le plaisir de danser dans les rues de Lyon


Le mélange professionnels amateurs a une nouvelle fois fonctionné dans les rues de Lyon à l’occasion du défilé de la Biennale de la danse. L’évènement qui s’est déroulé, ce dimanche, de la place des Terreaux à Bellecour a réuni environ 200 000 personnes. Pour conclure, le tout Lyon s’est mis à danser aux rythmes du chorégraphe Mourad Merzouki.

A beleza de dançar Nei Duclós e Kafka


Espetáculo aborda a excessiva preocupação do homem com a imagem física

 
Nos próximos dias 16 e 17 de setembro (sexta e sábado), a Cia. Excaravelhas de Dança apresenta, no Teatro Municipal, o espetáculo “O Canto da Sereia”, no 11º Festival de Dança de Araraquara, numa realização da Prefeitura de Araraquara, por meio da Secretaria Municipal da Cultura e Fundart.

Inspirado nas interpretações da “Lenda do canto das sereias”, de Nei Duclós e Franz Kafka, a proposta coreográfica do espetáculo “O Canto da Sereia” reflete sobre o conceito de imagem, sobre a vaidade, e seu potencial de manipulação do poder instintivo feminino, através da excessiva preocupação com a imagem física do ser humano.

O espetáculo – que tem como público alvo: adultos e jovens a partir de 14 anos – aborda o conceito do ter ao invés do ser, que aniquila a identidade, e o da obrigatoriedade de uma beleza padrão, de uma estética contemporânea construída artificialmente, cheia de enxertos, plásticas, artimanhas; onde as diversidades são anuladas modificando-as, e mascarando-as, aceitando a imposição social que nos diz que ninguém deve ser diferente.

Fazer parte desta humanidade primordial é entregar-se nestas águas infinitas, é a simbologia do entregar-se a este mar dos encantos e ilusões que aniquila nossa expressão de vida, nossa personalidade única, nossa essência. É a pasteurização do ser humano, onde diferenças e divergências não são aceitas.

GRUPO DAS EXCAREVELHAS
Com sua sede em Campinas há 11 anos, o Grupo das Excaravelhas vem circulando com seus espetáculos e workshops por diversas regiões do Brasil e já recebeu diversos prêmios importantes no cenário da dança, como o Funarte de Dança Klauss Vianna 2009, o FICC – Fundo de Investimentos Culturais de Campinas – 2004, VAI – Valorização de Iniciativas Culturais – 2004, 8° Cultura Inglesa Festival – entre outros.

Formado por Juliana Couto, Ló Guimarães e Milena Machado, essa companhia independente tem como principal característica de criação o humor crítico, apresentando situações cênicas que possibilitam envolvimento e proximidade da dança contemporânea com vários tipos de público, bem como explorando diversos tipos de espaço.

O espetáculo “O Canto da Sereia” dá continuidade ao desenvolvimento dessa descoberta do público junto à dança contemporânea, proporcionando uma oportunidade direta de reflexão através de um bate-papo conduzido pelo grupo ao fim de cada apresentação.

Além do espetáculo gratuito, a companhia oferece uma Oficina de Dança com foco no desenvolvimento da criatividade dos participantes, através da improvisação e da composição coreográfica em dança contemporânea. Com 25 vagas, o workshop será realizado na Escola Municipal de Dança Iracema Nogueira, às 14 horas, na sexta-feira (16).

FICHA TÉCNICA
Direção/concepção: Ló Guimarães
Interpretação: Juliana M. Couto, Ló Guimarães e Milena Machado
Sonoplasta/operador de som: Isabela Razera e Katharine Diniz
Operador de luz/Desenho de luz: Darko Magalhães
Figurinista: Fernando Delabio
Consultoria de Produção: Cassiane Tomilhero
Produção Executiva e local: Isabela Razera e Katharine Diniz
Núcleo de Produção: Isabela Razera e Katharine Diniz